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María Fernanda Márquez

NOTAS EXPRESAS

Aquella relación musical causó un gran impacto en María Fernanda, convirtiéndose Vytas en una de sus principales influencias…
María Fernanda Márquez. Personaje importante en el Rock venezolano.

Residenciada en USA desde la década de los 70, la vocalista, compositora, arreglista, productora, profesora y locutora, emergió en 2012 con un trabajo musical vanguardista titulado Tonadas. Amante de la música latinoamericana y de autoras como Chabuca Granda y Violeta Parra, la célebre caraqueña ha delineado un estilo provocador e irreverente que ha establecido un antes y un después, especialmente con el álbum Nature’s Princess.

Fue en el seno familiar donde encontró su primera fuente de inspiración. Sin embargo su encuentro con el inmortal Vytas Brenner durante los años en los cuales el rock venezolano comenzaba a buscar nuevos predios, le ayudó a sentar las bases de una exitosa carrera que supera los 40 años. Era entonces parte consustancial de Vytas & Mafe (1971). Aquella relación musical causó un gran impacto en María Fernanda, convirtiéndose Vytas en una de sus principales influencias. Tras haber aparecido en TV y participado en el Festival de Onda Nueva II, la compositora se establece en
Boston para cursar estudios en la afamada Berklee. Durante su estadía en esa ciudad cantó junto a destacados músicos, entre ellos el laureado cellista Jaques Morelenbaum. En 1982, una vez graduada, decide viajar a San Francisco para radicarse en esa ciudad donde su encuentro con el guitarrista Joyce Cooling le abrió un mundo de posibilidades que se amplió aún más cuando entró en contacto con el productor y multiinstrumentista Frank Harris.

Sus cinco trabajos discográficos: Cantos de pilón (1985), De uno y otro lado (1995), Once cuentos de amor (1999), Nature´s Princess (2004) y Tonadas (2012), y grabaciones de Víctor Mestas, Pablo Manavello, Olegario Díaz, Amereida y Junior Romero, hacen de María Fernanda uno de los episodios más fascinantes de la contemporaneidad musical. Su estilo es el resultado de un desarrollo producto de años de estudios e investigación acuciosos.

María Fernanda Márquez – Notas Expresas
Agradecimiento público para nuestro amigo Leonardo Bigott. Gracias por compartir esta excelente Nota Expresa.

La “Nota Expresa” fue realizada en mayo de 2013 por nuestro amigo Leonardo Bigott. Periodista musical desde 1988. Ha escrito en Letras, Premio Nacional de Periodismo, Business Venezuela, Revista Ladosis. Director y productor musical para WSSU 91.3 FM en USA y La Emisora Cultural de Caracas 97.7 FM y desde 2008 para la reconocida revista musical Ladosis Cultura Musical.

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Homenaje a Vytas Brenner
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La Verdad en la Música Por Aquiles Báez

Que gran escrito! Caray Aquiles se botó, bueno escribiendo, excelente. ¿Quién refuta esto? Bravo Aquiles. Muy cierto, sin desperdicios. Así opinaron varios compañeros al leerlo. La Verdad en la Música Por Aquiles Báez

“La Idea del Bien constituye lo absoluto. La Idea del Bien es lo que hace a las demás ideas aptas para ser y para ser conocidas o inteligidas”. Platón

La Verdad en la Música Por Aquiles Báez

La Verdad en la Música Por Aquiles Báez
“la realidad económica de estos tiempos”

Empiezo a escribir estas líneas con cierta tristeza, después de conversar con un muy talentoso músico joven, que se está dedicando ahora a producir en estos llamados géneros urbanos. Entiendo la perspectiva de cada quien, e incluso la realidad económica de estos tiempos, en donde literalmente hay que hacer cualquier cosa para sobrevivir en el mundo de la música.

No critico las necesidades y los gustos de cada quien, pero apelo a los valores éticos y morales. Quizás por eso recordé el maravilloso texto de Hanna Arends, que es una de las pensadoras más importantes del siglo XX, en donde habla de algo que ella denomina “la Banalidad del Mal”. Este texto de Arendt, está basado en el juicio a Adolf Eichman, quien era probablemente el burócrata de más alta jerarquía de la Alemania Nazi.

Eichman fue responsable de toda la logística de la llamada “Operación Final”. Pero más contundente que el juicio a Eichman, es la reflexión de Arendt sobre la sociedad Alemana de esa época que era en teoría, una sociedad “culta”.

Ella dice que lo que pasó es muy sencillo, se dejó de pensar. Creo que esto está sucediendo en estos momentos de la música, hemos dejado de reflexionar sobre lo que es bueno y lo que es malo. Por eso nos hemos conformado con cualquier cosa.

La Verdad en la Música. Por Aquiles Báez
Que nos ha pasado entonces, ¿dejamos de pensar?

Estamos en una época en donde todo pareciera que está al revés. Se premian cantantes que no cantan, a músicos que no saben de música, y se maneja un discurso poético impensable en una sociedad donde la mayoría de la población tiene al menos un título de educación secundaria. Mas grave aún, que muchos de los que avalan la mediocridad tienen postgrados y a veces hasta doctorados.

Que nos ha pasado entonces, ¿dejamos de pensar?. Son momentos en donde todo el mercado de la música se rige por parámetros que están llenos de algún artificio.

Es como hacerse las lolas o cualquier cirugía estética pero en la música. Con todo el respeto a quien se somete a cualquier operación estética, esa persona está consciente que está modificando su realidad, el problema es cuando hay una pretensión que todo lo que se hace es natural. Eso está pasando con la música. Es una crisis de valores.

Por ejemplo, un buen ingeniero de sonido ha estudiado por años el proceso para hacer música, sin embargo, termina corrigiendo errores de grabación básicos. Hay errores de gramatica musical básica que terminan siendo arreglados por los ingenieros, incluso afinan cantantes… que no afinan.

La tecnología en la música, es para ayudar al músico, no para crear el producto en sí

No podemos seguir realzando la mediocridad. La tecnología en la música, es para ayudar al músico, no para crear el producto en sí. La publicidad engañosa es una trasgresión que afecta a los consumidores. Estos engañados, piensan que algún producto, marca o artista son reales, y cuando escuchan al natural a estos “artistas”, la sorpresa es muy grande, dado que muchas veces no afinan ni lo básico ¿Hasta cuándo toleraremos esta farsa?

Por suerte hay diversos caminos en el mundo de la música. Con toda humildad digo que yo vivo en el mundo de las ideas, donde como artista hay que esforzarse por años para llegar a un nivel deseado. Es un mundo en donde el proceso es fundamental, donde se estimula a la preparación, a las ideas y a las verdades.

Estamos en una época no solo banal, sino que todo tiene que ser Inmediato, no se respetan los debidos procesos y se apuesta a resultados no solo inmediatos, sino vacios por falta de consistencia. En este sentido, los deportistas y los músicos de alto rendimiento, estamos en un sitial privilegiado, donde no hay cabida a la inmediatez y a la mediocridad.

Estamos aferrados a unos valores basados en la excelencia. Por suerte todavía no existe una app que de hoy para mañana te haga hacer escalas a la misma velocidad que Paco de Lucia, ni existe ningún programa que te haga batear como Miguel Cabrera o te ponga a cantar como Pavaroti.

Por eso me remito de nuevo al gran filósofo Griego, Platón: “La Idea del Bien es el fundamento de todas las ideas, y es a la vez fundamento de todas las cosas sensibles, ya que estas deben su inteligibilidad a las ideas, las ideas son el «aspecto» bajo el cual las cosas sensibles se presentan, bajo la cual son.”

Quizás por haber sido un músico que siempre ha buscado la excelencia, me afecta tanto toda esta banalidad y la mediocridad. Es muy doloroso para quienes creemos en el arte como una verdad absoluta.

Estamos en unos tiempos en donde la mediocridad le ha robado espacio y protagonismo a la buena música. Según Aristóteles, ”La verdad se da en el hombre porque surge dentro del alma una opinión verdadera y simultáneamente una acción recta. Lo falso es lo contrario, terminando siendo una acción no recta e indeterminada».

Pareciera que cada vez, el mal tiene más soldados en los medios de comunicación y en las redes sociales. La lucha es dura, pero hay que seguir luchando para conquistar espacios para la música de calidad porque si no, nos quedamos en una suerte de armagedon cultural.

“La Misión Espiritual de la Educación”

Pensando en nuestros hijos, tenemos que construirles un camino de certeza, no puentes de cartón e ídolos falsos. El filósofo Francés Edgar Morin, menciona que la educación en los últimos tiempos se ha dedicado a resolver lo practico, lo teórico, lo matemático.

Yo aseguro que si tuviéramos una educación más espiritual, muchas de estas cosas, como la banalidad de estos tiempos, se las llevaría el viento. Por eso, abro un espacio a la conciencia de cada quien, que busque desde su corazón, esa verdad que debería tener un camino tan espiritual, como lo es la música. Joan Manuel Serrat dijo en una entrevista:“la música es una casa muy grande. Lamentablemente, la buena música la han dejado por una ventana muy pequeña en la parte posterior de esta casa, yo prefiero estar en esa ventanita ”.

Pero no se toma en cuenta, como comenta Morin:“La Misión Espiritual de la Educación”.

Por eso tenemos que ampliar esa ventana y convertirla en un ventanal enorme. Es importante crear desde la luz, iluminar nuestros espíritus desde la belleza, como plantean los griegos. Por eso, como dice Platón, “De noche, especialmente, es hermoso creer en la luz”.
Aquiles Báez

La Verdad en la Música Por Aquiles Báez
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XIMENA BORGES

RUIDO JUBILOSO, MÚSICA, TEATRO Y VIDEOS

Galardonada con dos primeros lugares en el Concorso Internazionale di Canto Lírico, Barroco y Clásico “L’Opera Rinata” de Torino, Italia, Ximena es la columna vertebral de Cirque Parallel, una hermandad itinerante de actores, artistas visuales, diseñadores, escultores, escritores y músicos que fundó en 2011 con la idea de proponer nuevas formas de hacer conciertos de música clásica y teatro. La Tempestad y su primer CD, Joyful Noise, se erigen emblemáticamente como hitos de una incipiente y exitosa carrera.

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Pocas veces tiene uno el privilegio de encontrarse con artistas que abrazan a las bellas artes con la pasión que posee Ximena Borges. Finalizando 2013, ofreció un concierto acompañada sólo de un “looper” para construir, in situ, temas tradicionales del repertorio navideño de las Américas y Europa bautizando así su primer CD, Joyful Noise. Su performance incluyó videos y al escritor/poeta Willy McKey†, quien recitó una de sus composiciones al tiempo que Ximena construía secuencias. Meses antes, había estado con su padre presentando La Tempestad en el Teatro Chacao. Ambas obras fueron muy bien acogidas por la crítica y provocaron una reacción inmediata en los medios.

Hija del célebre artista plástico Jacobo Borges y la escultora Diana Carvallo, ha sido natural que la joven soprano caraqueña haya crecido en un ambiente idóneo para llegar a ser quien es en la actualidad. Su vida se ha desarrollado entre museos y artistas de diversas corrientes y lugares del mundo. Viajó, violín en mano, por diferentes países durante su infancia y poco después de haber empezado a estudiar piano decidió acoger el bel canto con Bill Schuman en el Manhattan School of Music en Nueva York y con Isabel Palacios en Caracas. Formó parte de los Programas de Jóvenes Cantantes del Teatro Stabile di Torino, el Festival de Carmoor de Nueva York y el Festival de Montreal con el Maestro Kent Nagano. También SommerAkademie Mozarteum Salzburg con Barbara Bonney y Anna Tomowa-Sintow, Accademia di Santa Cecilia Opera Studio con Renata Scotto.

Creadora de Juliet and the Elf, plataforma musical para inspirar a los niños. Servicio donde ofrece playlist de música para compartir con los niños y la familia.

Ximena, ¿Cómo logras equilibrar tus actividades? Es difícil, sobretodo por el modo como se han desarrollado las cosas. Estas actividades están estrechamente vinculadas, el canto lírico, los proyectos multidisciplinarios y finalmente las cosas que puedo hacer sola, como ha sido el concierto de Joyful Noise. Creo que lo importante es borrar una etiqueta que me encasille. Un caso ejemplar es Sting, quien con el paso del tiempo se ha ganado el respeto y aprecio del público. Lo que hace, simplemente es él, Sting. Sea jazz, rock, pop o lo que sea, él tiene una identidad que supera esas etiquetas. Allí es donde quiero estar.

Joyful Noise representa una propuesta única que puede considerase como un hito en el país. ¿Qué planteamiento tienes en mente actualmente? Realmente lo estoy imaginando. Cuando hice Joyful Noise confieso que no lo había imaginado como una presentación en vivo. Fue a sugerencia de mi novio, quien es artista visual, que comencé a ver el proyecto en vivo como una realidad palpable.

El concierto trajo a mi memoria a Laurie Anderson. ¿Ha influído ella en tu trabajo y a partir de esa influencia surgió la idea? Quería empezar por ahí. Laurie ha sido una influencia importante en mi estilo. Me interesa mucho la textura del sonido y el sonido en sí como a ella, pero insisto en que mi mayor deseo es no ser encasillada. Amo la música pero también quiero desarrollarme en otras áreas artísticas. Hoy es Joyful Noise, mañana será otra cosa. Conocí a Laurie Anderson cuando era niña y vivía en New York, ella era nuestra vecina y fue a darnos la bienvenida con una flor. Sin embargo, este proyecto surgió realmente cuando mi novio me regaló un viejo “looper” al que llamo el “monstrico” y a partir de allí comencé a experimentar.

Ximena Borges Inicia Gira Rocktopia en diferentes ciudades de los Estados Unidos

¿Puedes explicar como funciona “el monstrico”? Bueno, tengo dos. Existen diferencias importantes entre ese primer looper y el que tengo ahora. El primero, obviamente es más limitado porque me permite hacer sólo un track. El que tengo ahora me da la posibilidad de hacer varios loops por separado y luego montarlos.

Durante el concierto llamó mi atención la sincronía entre el tema “Año viejo” y el collage de imágenes de películas famosas donde el baile era la constante. Fue divertido, ¿Cómo lograste eso? No hubo un planteamiento como tal, más bien lo intenté con algunas imágenes y el resto quedó como pudiste verlo. Fue si se quiere, muy natural.

¿Crees que eso responda a un área no estudiada que se desarrolla en esos misterios matemáticos, tal vez un fractal audiovisual?
Tal vez. Puede que sea así, no se. Tal vez.

Ximena Borges en una de sus visitas por Caracas

¿Qué aspecto de tu carrera inquieta tu atención?
Yo quiero desarrollarme en varios niveles que van más allá del simple eclecticismo, deseando que el público tenga la oportunidad de conocer un trabajo donde se concilien diversas expresiones artísticas. Sin embargo, me inquieta quedarme estancada allí.

Los puristas de la ópera no suelen ser proclives al canto popular y duramente critican a quien lo hace. Joyful Noise es sin duda una provocación, ¿Cierto?
Totalmente. Es lo que suele suceder cuando tienes una formación académica y de pronto irrumpes en lo popular. Realmente no es que me preocupe pero cuando vienes del canto lírico es lo que pasa. Sin embargo, a veces siento que algunos amigos no me dicen enteramente lo que piensan.

¿Cómo se involucró Gonzalo Grau en este proyecto?
Gonzalo es el productor musical de Joyful Noise. Yo estaba grabando y él estaba en la computadora cuando me ofreció arreglar algunos temas. Gonzalo es un músico excepcional.

Retomando el aspecto operático nuevamente y para finalizar, ¿Se corren riesgos serios desde el punto de vista técnico cuando vas de lo lírico a lo popular?
Andrea Bocelli, Luciano Pavarotti y Monserrat Caballé son ejemplos.
Desde que me inicié en el canto lírico noté que los cantantes de ópera tienen dos opciones: una de ellas es tener una carrera larga cuidando mucho la voz, lo que implica escoger un repertorio adecuado sin tomar mayores riesgos que sacrifiquen a la voz, interpretando siempre las mismas óperas y manteniéndose así durante toda la vida. Alfredo Kraus es un ejemplo. Por otro lado están los cantantes que arriesgan su voz con un repertorio que exige sacrificios. Llevas tu voz al límite. Este segundo grupo tiene una carrera más corta.

Ximena Borges canta opera y rockea!!!

Resides en New York y tus planteamientos ciertamente son vanguardistas. ¿Qué representa el arte sonoro en tu vida artística?
Representa un aspecto muy importante. En toda actividad que desarrollo existe un espacio sonoro al cual le doy preponderancia, sobre todo porque en estos tiempos todo es más tendiente a lo visual. Yo quiero que en mi obra sea el sonido el que predomine. Creo que la gente oye lo que ve, pero la intención de mi trabajo es que el espectador tome conciencia del aspecto sonoro de la obra.

XIMENA BORGES

Agradecimiento público para nuestro amigo Leonardo Bigott y www.revistaladosis.com Cultura Musical. Gracias por compartir esta excelente entrevista

Leonardo Bigott. Autor de la Entrevista. Periodista Musical desde 1988

La «Entrevista» fue realizada en mayo de 2013 por nuestro amigo Leonardo Bigott. Periodista musical desde 1988. Ha escrito en Letras, Premio Nacional de Periodismo, Business Venezuela, Revista Ladosis. Director y productor musical para WSSU 91.3 FM en USA y La Emisora Cultural de Caracas 97.7 FM y desde 2008 para la reconocida revista musical Ladosis Cultura Musical.

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Amo la música venezolana – Flavio Sala
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Amo la música venezolana

FLAVIO SALA

“Amo la música venezolana pero aún no comprendo porqué no es conocida ampliamente en el exterior.”

A sus 27 años, Flavio Sala es considerado como uno de los guitarristas clásicos de mayor relevancia mundial. Concertista desde los 18, es poseedor de una impresionante técnica y un altísimo nivel interpretativo, no en vano el maestro Alirio Díaz se ha referido a él como “El nuevo Paganini de la guitarra”

Flavio Sala y su guitarra ejecutando Alma Llanera

Por Leonardo Bigott

El nombre de Flavio Sala llegó a mis oídos por primera vez el primero de Julio de 2010. Un serio testimonial en el afiche y una guitarra de apariencia un tanto extraña llamaron mi atención. Para mi sorpresa, el guitarrista apareció junto a su novia, ambos de gran altura física, y me fueron presentados. Les dije que escribía para Ladosis y la reacción de ambos me asustó porque con gran emoción gritaron ¡Ladosis! Así que allí mismo establecí fecha y hora para conversar con Flavio mientras mi cabeza daba vueltas sorteando miles de ideas. La primera, sin dudas, era escucharlo en vivo, así que asistí a su concierto el día siguiente.

Flavio nació en Bojano, provincia de Campobasso, Italia en 1983 y creció bajo la influencia del guitarrista flamenco Paco de Lucia y el maestro Alirio Díaz. Estudió con Pasqualino Garzia y con Oscar Ghiglia. Considerado como uno de los principales guitarristas clásicos de la actualidad, Flavio ha tenido una carrera ascendente que le ha valido varios premios, entre los que destacan el Primer Premio en el «XXVI Concorso Internazionale di Gargnano» (Italia, 2001), el «XXXVI Concorso Internazionale Michele Pittaluga» (Alessandria – Italia, 2003) y el primer premio en el «Concurso Internacional Alirio Diaz» (Carora, Estado Lara, Venezuela, 2006), por mencionar sólo algunos. Ha dado conciertos en Europa, Norte y Sur América, en especial Rusia, donde goza de gran aprecio.

Flavio, ¿Hay músicos en tu familia?

Son cuatro generaciones, la mayoría pianistas dedicados a la enseñanza. Yo rompí la tradición pianística y opté por ser guitarrista.

¿Exactamente cuándo comenzaste a tocar la guitarra?

A los 7 años de edad con un profesor privado.

Tu nuevo CD tiene un claro afecto por lo popular. ¿Es así?

Sí. Me han criticado por hacerlo. Cuando abordo un género popular me encasillan con ese género, pero no me interesa realmente la opinión de los guitarristas.

Has tocado Tears in Heaven de Eric Clapton y Europa de Santana ¿Por qué?

Lo he hecho como prueba para observar un poco la reacción del público ya que son piezas famosas. He querido ver si la audiencia la reconoce, comisionando a Antonello Capuano un arreglo especial que diga de la composición y de mí como guitarrista.

Has dicho que la guitarra está considerada como instrumento de segunda clase. ¿Qué significa?

En los 60’s y 70’s la guitarra clásica gozaba de un gran estatus. Andrés Segovia, Julian Bream y Alirio Díaz agotaban las entradas. Paco de Lucía y John Williams vivieron esa experiencia, pero eso ha cambiado. He visto a Manuel Barruecos tocar en un teatro de Madrid ante una sala apenas medio llena.

Pero… ¿Qué crees que significa? Porque a veces sucede.

Es un síntoma de que algo no está funcionando. Los guitarristas y compositores tienen una gran responsabilidad en esto. Primero, creo que creen que cambiarán al mundo con la guitarra manteniendo un concepto tan estrecho del instrumento. Lo tratan como si fuera una religión. La guitarra no es eso. Segundo, el guitarrista no está interesado en la música y, tercero, tienden a escoger un repertorio que no gusta a la gente.

Es una dura afirmación ¿Cómo es eso en tu caso?

Mi interés está en la música, no estoy interesado en gente que diga “¡guao! eres tremendo guitarrista”. Prefiero que se acerquen y me digan “qué hermosa pieza musical has tocado.”

Viendo atrás, Joaquín Rodrigo hizo mucho por la guitarra, ¿no es cierto?

Fue un pianista que se relacionó con los mejores músicos de su época, Manuel Ponce, Manuel De Falla y Heitor Villalobos. Lo que critico acerca de los compositores de hoy es la música poco atractiva que componen. Cada vez van menos personas a los conciertos de guitarra. Si la gente va a un concierto de música y no le gusta, no regresan. Es lo que ha sucedido con la música contemporánea, la música aleatoria, etcétera. Ha sido diferente con la guitarra porque han muerto Andrés Segovia y Narciso Yépez, y Alirio Díaz ha dejado de tocar.

¿Significa que ha muerto?

Está en, ¡ALTO! Hay excepciones como Paco de Lucía y John Williams. Insisto, me interesa más la gente que va a casa y quiera regresar a mí concierto. Ha pasado que he llevado a amigos a conciertos y han salido aburridos diciéndome que no les invite de nuevo. Los guitarristas no entienden lo que sucede. La audiencia necesita cosas nuevas y cosas que conozcan.

¿Cómo ha respondido la audiencia en Caracas?

Ha sido grandiosa. En su mayoría han sido adultos. Cuando doy un concierto siempre pregunto cómo es la audiencia de modo que pueda tocar un repertorio apropiado a ella. En Rusia es diferente porque ves a niños, gente joven y adultos en los conciertos. Siempre es diferente.

Pareces conocer muy bien el repertorio tradicional venezolano como si fueras de aquí. ¿Cómo ha sido la reacción de la gente en cuanto a esto?

Ha sido excelente entre los jóvenes, aunque me sorprende que no conozcan Antonio Lauro o Alirio Díaz. Algo anda mal porque pareciera no haber interés y cuando hay festivales se invita a alguien y alguien invita, pero no hay nadie que hable por nosotros.

¿Qué dices de John Williams y Christopher Parkening?

John es excelente. Ha grabado el repertorio clásico tres o cuatro veces y sin embargo le han criticado por tocar la música venezolana y africana. Es una postura muy estúpida. Parkening ha hecho del estilo de Segovia su estilo, pero se ha retirado.

¿Qué puedes decir de la guitarra como instrumento?

Su importancia está en los colores que puedes obtener de ella, de lo contrario sería un instrumento muy aburrido. Debo decir que los grandes guitarristas son realmente músicos antes de guitarristas.

Tu guitarra es un tanto extraña.

Es una “Camillo Perrella”. Tiene unos topes de carbonio cubiertos por una muy delgada chapilla de madera que realza el sonido.

De La Buena Onda… 19 músicos y 12 temas más bonus track.

Es mi nuevo álbum y muy importante porque lo produje y grabé en 8 meses. Allí están Giovanni Baglioni (hijo del célebre cantautor Claudio Baglioni), Jorge Pardo, Marcus Miller, Mango y Otmaro Ruíz, entre otros.

¿Qué opinión te merece la música venezolana?

Amo la música venezolana pero aún no entiendo porqué no es conocida
ampliamente en el exterior. He notado una onda de fusión que puede ser ventajosa para exportarla. En USA, por ejemplo, no habrá mucho interés en el joropo tradicional, pero si lo mezclas con otras cosas, la historia será diferente. Ensamble Gurrufío es un excelente ejemplo.

¿Cuál es tu siguiente paso?

Estaré de gira por Rusia en recitales y con una orquesta en Febrero, Marzo, y Diciembre de 2011, y grabaré un nuevo álbum. Vendrán algunas sorpresas en el camino.

Flavio Sala

Agradecimiento público para nuestro amigo Leonardo Bigott y Revista Ladosis. Gracias por compartir esta excelente entrevista

Leonardo Bigott. Autor de la Entrevista. Agradecido

La «Entrevista» fue en el realizada año 2010 por nuestro amigo Leonardo Bigott, periodista musical desde 1988. Ha escrito en Letras, Premio Nacional de Periodismo, Business Venezuela, Revista Ladosis. Director y productor musical para WSSU 91.3 FM en USA y La Emisora Cultural de Caracas 97.7 FM y desde 2008 para la reconocida revista musical Ladosis.

Esta entrevista se realizó el 27 de julio de 2010. En 2016, Flavio grabó Mi guitarra mis amores donde colaboró Steve Howe (Yes, Asia) entre otros invitados. Es, a la fecha, su disco más reciente.

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